Páginas vistas en total

jueves, 24 de agosto de 2017

CHECAR LA PROGRAMACIÓN DE CADA ESCUELA AL FINAL DE ESTA PÁGINA DONDE DICE "Entradas antiguas"

EL HOMBRE QUE CAYÓ EN LA TIERRA
(The Man Who Fell to Earth. Reino Unido 1976. 140 mins.)
Director: Nicolas Roeg
Con: David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Jackson D. Kane, Bernie Casey.
Guión: Paul Mayersberg sobre la novela de  Walter Tevis. Fotografía: Anthony B. Richmond. Música: John Phillips.
 Thomas Jerome Newton (David Bowie) es un extraterrestre del planeta Anthea, que llega a la Tierra buscando un modo de transportar agua a su planeta, que sufre una sequía devastadora.
Newton utiliza su conocimiento de tecnología más avanzada para sacar patentes de muchos inventos en la Tierra, logrando una gran riqueza como jefe de una empresa de tecnologías, World Enterprises Corporation, ayudado por su abogado de patentes, Oliver V. Farnsworth (Buck Henry). Con este dinero desea construir naves espaciales que podrían llevar agua a su planeta.
En Nuevo México, Newton conoce a Mary-Lou (Candy Clark), una chica simple y trabajadora, con quien empieza una relación romántica. Mary-Lou le muestra a Newton costumbres terrenales, como ir a la iglesia, tomar alcohol, la moda, y finalmente, el sexo. Pero su obsesión con el alcohol y la televisión destruyen lentamente la relación romántica con Mary-Lou. Su identidad oculta es descubierta por el doctor Nathan Bryce (Rip Torn), uno de sus pocos amigos. También le revela su identidad extraterrestre a Mary-Lou, quien no es capaz de aceptar el hecho.
Newton intenta iniciar el programa de rescate para su planeta, pero justo antes del primer despegue el gobierno lo detiene, mientras unos agentes asesinan a sus socios, incluso a Farnsworth y su amante. El gobierno, que recibió información sobre la verdadera identidad de Newton por Bryce, lo apresa en un apartamento lujoso, y lo somete a rigurosos e inhumanos experimentos.
Después de muchos años en prisión, Mary-Lou le visita, muy cambiada por los años (su juventud y belleza han desaparecido). Comprende que la relación con Newton ha fracasado, y se va. Newton entonces se da cuenta de que la puerta está abierta, y que al gobierno ya no les interesa su situación, y por lo tanto, escapa.
Newton ha fracasado en su misión de salvar a su planeta. Se queda atrapado en la Tierra, solo y desesperado. Trata de mandar un mensaje a través de unas grabaciones que espera sean transmitidas por la radio. Bryce compra una grabación, y decide ir a ver a Newton para saber qué contenía la grabación. Bryce, ya viejo, se encuentra con Newton, quien sigue joven, aunque deprimido y alcohólico, intentando superar la angustia de haber fracasado en su misión.

David Bowie es Thomas Newton, un extraterrestre que llega a la Tierra en busca de agua para su planeta moribundo. Funda una empresa de tecnología y rápidamente se convierte en multimillonario. Conoce a Mary-Lou, una camarera, que lo introduce al alcohol, la televisión y el sexo. Newton pierde su camino y termina paralizado por la ginebra y la depresión, incapaz de sobrellevar la realidad de la vida moderna en el planeta Tierra.
ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO
(Alien. E.U./Reino Unido. 1979. 177 mins.)
Director: Ridley Scott
Con:  Sigourney WeaverTom SkerrittIan HolmJohn HurtHarry Dean StantonVeronica CartwrightYaphet Kotto.
Guión: Dan O’Bannon. Fotografía: Derek Vanlint. Música: Jerry Goldsmith.
En el verano de 1979 algo cambió en el cine. Nunca hasta entonces una película de ciencia ficción había sido tan siniestra y terrorífica, nada que ver con la claridad cristalina, aséptica y también inquietante de la película con mayor impacto del género: 2001: Odisea del espacio. La historia de Alien fue concebida por Dan O’Bannon, quien se inspiró en dos antiguas películas, It: The Terror From Beyond Space y Ten Little Indian in Space. El guión llegó a una pequeña productora recién fundada llamada Brandywine. Sin embargo, uno de los productores, el entonces joven director Walter Hill, se dio cuenta de que no podría afrontar el presupuesto y acudió a la Fox para que tomara el mando del proyecto. Hill era la primera opción para dirigir la película, pero otro de los productores propuso el nombre de Ridley Scott. Por aquel entonces, Scott sólo era conocido por sus trabajos publicitarios y por haber realizado la estupenda Los duelistass (1977) a las órdenes del prestigioso productor inglés David Puttnam.
Toda la historia de Alien tiene lugar en una nave espacial, el Nostromo, que en un viaje comercial de regreso a la Tierra intercepta una señal de socorro procedente de un planeta cercano. En la exploración uno de los tripulantes es atacado por un extraño parásito que se acopla a su garganta. Cuando se dan cuenta de que en realidad, la señal recibida por la computadora “Madre” no era de socorro, sino de advertencia, la tripulación ya ha dado entrada en la nave a un ser desconocido y letal. El guión original fue modificado para distanciarse más de la película de Stanley Kubrick. Si ahí la computadora Hal lo dominaba todo, aquí se prefirió que la computadora Madre quedara en un segundo plano y para ello se dio entrada a un nuevo personaje, el androide Ash. Al margen de su clara crítica al desmedido afán cientifista del hombre, el éxito de Alien habría que achacarlo principalmente a tres aspectos. El primero es la elección de un personaje femenino, la teniente Ripley, para encarnar al héroe, cosa que no estaba prevista en el primer borrador. El rictus vigoroso del rostro de Sigourney Weaverr dio al personaje el carisma que necesitaba. El segundo aspecto es el ambiente tenebroso que logra crear Scott. La atmósfera de la película es agobiante, claustrofóbica y las tripas del Nostromo (nombre inquietante tomado de una novela de Conrad, al igual que la cápsula Narcissus en la que viaja Ripley) parece una interminable red de galerías, una cueva desconocida en la que cualquier rincón puede esconder una amenaza. Esta puesta en escena llegó a convertirse en seña de identidad de Ridley Scott, el mejor ideador de futuros hostiles e irrespirables (Blade Runnerr). Y el tercer aspecto y más importante de todos es la criatura misma y su singular presencia en la pantalla. Diseñado por el pintor surrealista H.R. Giger, el Alien es un prodigio de imaginación. Su forma de desarrollarse y su composición ácida son hallazgos descomunales que le dan un dominio total sobre los humanos. Y, sin embargo, lo mejor de la criatura no es ella misma sino el tratamiento que Scott le depara. Nada hay más amenazante que lo desconocido y el espectador, consciente del peligro, nunca puede abarcarlo del todo. Ridley apenas filma al Alien de frente y cuando lo hace sólo es por pocos instantes. El monstruo siempre está escondido a la vuelta de la esquina, entre las sombras, y aparece sin previo aviso. Sólo vemos los desechos humanos que va dejando a su paso y esto da al film su genuino carácter terrorífico.
La escena inolvidable
Sin lugar a dudas la escena más recordada es la que recoge al Alien rompiendo la caja torácica de su huésped. Tras incubarlo en su interior, el malogrado Kane (John Hurtt) protagoniza una especie de alumbramiento letal, dando luz no a un ser humano sino a un monstruo. La escena cobra un realismo extremo gracias a que ninguno de los actores, excepto Hurt, sabía exactamente qué iba a pasar. La expresión de la actriz Veronica Cartwrightt cuando recibe el baño de sangre es sobrecogedora.
2001, ODISEA DEL ESPACIO
(2001: A Space Odyssey. Reino Unido 1968. 139 mins.)
Director: Stanley Kubrick
Con: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Leonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick.
Guión: Stanley Kubrick, Arthur C. Clarke sobre la novela corta: Arthur C. Clarke. Fotografía: Geoffrey Unsworth. Música: Richard Strauss, Johann Strauss, György Ligeti, Aram Khachaturyan.
Los albores de la humanidad. Unos monos. Un extraño monolito. La violencia como primer acto inteligente. Y de aquí saltamos... ¡al año 2001! La imagen de un hueso arrojado al aire y dando vueltas, antecede a la elipsis más amplia abordada nunca en una pantalla de cine. Millones de años han transcurrido hasta la siguiente imagen que vemos, la de la nave espacial que conduce al doctor Floyd a la Luna. El científico debe afrontar una misión muy delicada, pues cierto descubrimiento podría demostrar que no estamos solos en el universo.
Kubrick escribió el guión con el novelista de ciencia ficció Arthur C. Clarke, de quien había leído el relato 'The Sentinel', origen del film. La película era audaz, pues ofrecía una explicación del origen de la humanidad con varias lecturas: la evolución, la intervención de una inteligencia superior en los diversos pasos que atraviesa el hombre... Algunos decían que era soporífera, pero lo cierto es que el film, rico y sugerente, no dejó a nadie insensible. Kubrick arrastró riesgos considerables, como el de prescindir de una voz en off que hiciera el relato más digerible para el público poco dispuesto a esforzarse.
Las imágenes y la estética del film marcaron de modo decisivo el cine de ciencia ficción. Cualquier película con naves espaciales, como Alien o La guerra de las galaxias, , debía mirar necesariamente el film de Kubrick. Los compases de “El Danubio azul” o la impactante música de “Así habló Zaratustra” dejaban mella en el espectador. Como lo hacía HAL, aquella computadora de la serie 9000, que se defendía con uñas y dientes de los astronautas que pretendían desconectarla.
La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del "homo sapiens", unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada
Stanley Kubrick es de esos cineastas a los que envuelve un aura de genialialidad y misterio no exenta de toques excéntricos y puntilloso perfeccionismo. Ello dio a sus filmes una fuerza visual asombrosa. El lado malo es que sólo nos pudo legar 13 películas, pues en cada una se tomaba su tiempo. Se encerraba en su casa, lejos del mundanal ruido, y controlaba sus filmes de cabo a rabo: desde el concepto original hasta las copias que se exhibían en las salas.
SUNSHINE: ALERTA SOLAR
(Susshine. Reino Unido 2007. 98 mins.)
Director: Danny Boyke
Con: Cillian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne, Troy Garity, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong, Mark Strong.
Guión: Alex Garland. Fotografía: Alwin Kuchler. Música: John Murphy.
En un plazo de cinco años el Sol se apagará, y con él se extinguirá la raza humana. La última esperanza de los hombres es el Ícarus II, una nave espacial tripulada por seis hombres y dos mujeres, cuya misión consiste en llevar una gigantesca carga explosiva que insuflaría nueva vida a la estrella y le permitiría volver a brillar, salvándose así la población de la Tierra. El problema es que la nave Ícarus ya había llevado a cabo la misma misión siete años antes y había fracasado. 
El británico Danny Boyle se labró un inmenso prestigio con sus primeras películas Tumba al ras del suelo y Trainspotting, rodadas en su país. Después, ha mostrado su valía para géneros tan diversos como la comedia (Una historia diferente) y hasta el terror (28 días después). Esta vez le hinca el diente a la ciencia ficción dura, tomando como referencia 2001: una odisea del espacio, pues el film tiene numerosos elementos en común con el clásico de Kubrick. No faltan homenajes a otros clásicos, especialmente a la película Alien, el octavo pasajero. En el año 2057, los científicos han detectado que el sol está a punto de apagarse. Los ocho integrantes de la tripulación de una astronave intentarán desesperadamente solucionar el problema, viajando hasta las cercanías del Astro Rey, para arrojar sobre él una bomba que podría reactivarlo. Por el camino, reciben un mensaje de socorro, procedente de otro vehículo espacial que intentó realizar la misma misión años antes. Acudir en su ayuda supone desviarse ligeramente de la trayectoria prevista.
A Boyle se le da bien retratar personajes muy humanos, a los que coloca en situaciones límite, como se veía en La playa y la citada 28 días después, las otras películas en que ha trabajado con el guionista Alex Garland, responsable del libreto también aquí. Esta parte ‘humana’ del film es la que mejor funciona, con secuencias memorables, como el mensaje que Capa, uno de los protagonistas, envía a su familia cuando está a punto de perder definitivamente el contacto con ellos, quizás para siempre, o la asamblea en la que éste debe tomar la difícil decisión de si deben desviarse por la señal de socorro. Se nota el esforzado trabajo de los nueve actores del film, casi todos desconocidos, excepto Michelle Yeoh y Cillian Murphy, que empezó a despuntar precisamente con 28 días después. La naturaleza de la trama permite que Boyle se luzca en el apartado visual, con imágenes impactantes de la nave acercándose al Sol, las apariciones de Pinbacker (un tipo espectral formado por partículas inestables...) y varios momentos de suspense bastante logrados.
Ensayos intensivos
Danny Boyle es uno de los directores que más ensayan con los protagonistas de sus películas, y esta vez les hizo preparar sus papeles a conciencia. A Cillian Murphy, que iba a interpretar a un físico, le mandó con un físico real, el Dr. Brian Cox, a su Centro de Estudios Nucleares, en Ginebra. Por su parte, Michelle Yeoh preparó su papel de astronauta, con Daniel W. Bursch, un auténtico piloto de la NASA. “Es una de las personas que batieron el récord americano de permanencia en el espacio, casi ocho meses”, comenta Yeoh. Incluso realizó un viaje con todos sus actores en un avión ligero, para experimentar la gravedad cero. Por último, les hizo convivir durante dos semanas, en habitaciones para estudiantes poco lujosas, para crear una especie de familiaridad entre ellos.
STAR TREK: VIAJE A LAS ESTRELLAS
(Star Trek. E.U. 1979. 132 mins.)
Director: Robert Wise
Con: William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelley, Persis  Khambatta,Stephen Collins, James Doohan, George Takei, Nichelle Nichols, Majel Barrett, Walter Koenig, Grace Lee Whitney, David Gautreaux.
Guión: Harold Livingstone sobre una historia de Gene Roddenberry, Alan Dean Foster. Fotografía: Richard H. Kline. Música: Jerry Goldsmith.
 Siglo XXIII. Al almirante James T. Kirk, de la nave Enterprise, se le encomienda una difícil misión: neutralizar un extraño cuerpo para evitar su colisión con la Tierra y la consiguiente catástrofe. El oficial Spock, el capitán Willard Decker, la asesora Ilia y el doctor McCoy ayudan a Kirk a descubrir la naturaleza de este cuerpo sideral, provisto de un mecanismo de inteligencia de origen terrestre. La expedición del Enterprise localiza al ente y, entonces, se apresta a introducirse en su centro de operaciones. Primera entrega cinematográfica de la popular serie fantástica creada por Gene Roddenberry. 
Se trata de un clásico televisivo de los años 70, llevado también con éxito al cine. Los protagonistas son los mismos que en la serie de televisión. Spock está dispuesto a sacrificar su vida por la de sus amigos, entre ellos Kirk y su hijo, para darles la posibilidad de buscarse un lugar seguro. Pero en el espacio hay cientos de seres que acechan, y múltiples peligros que deben sortear. 
Muy recomendable para los numerosos fans de esta inagotable saga, aunque para el resto puede resultar más ardua. Es una especie de teleserie llevada al espacio, sin la espectacularidad ni el ritmo trepidante de La guerra de las galaxias, pero con un mayor tratamiento de los personajes. Es interesante el curioso universo de Star Trek. La música de Jerry Goldsmith es muy brillante.
Los trekkies
Los fans de Star Trek, conocidos como trekkies, son legión. Quizá menos en España, aunque también hay alguno suelto, como se encargó de recordar Fernando Colomo en su film El efecto mariposa, donde aparecía un trekkie. Los trekkies convencidos visten con un pijamilla como el de los personajes de las series y películas. Defienden su producto con uñas y dientes, y hasta organizan convenciones, donde discuten sobre la supuesta filosofía que subyace en la saga.
ACCIÓN MUTANTE
(España. 1993. 94 mins.)
Director: Alex de la Iglesia
Con: Antonio Resines, Álex Angulo, Frédérique Feder, Juan Viadas, Karra Elejalde, Saturnino García, Fernando Guillén, Jaime Blanch, Ion Gabella, Alfonso Martínez, Bibiana Fernández (AKA Bibí Andersen), Rossy de Palma, Enrique San Francisco, Féodor Atkine, Felipe Vélez, Francisco Maestre, Ramón Barea, Santiago Segura, David Gil, Carlos Perea.
Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarria. Fotografía: Carles Gusi. Música: Mariano Lozano.
Bilbao, año 2012. Una extraña banda terrorista, "Acción Mutante", siembra el terror en el país. Está formada por seres deformes que pretenden vengarse de los ricos y guapos. El cerebro del grupo es el malvado Ramón, un ser sin escrúpulos. La banda planea el secuestro de la hija de un conocido industrial, durante una boda... (FILMAFFINITY)
Ramón es el jefe de una banda conocida como 'Acción mutante', compuesta por unos tipejos feos y deformes que se dedican a sembrar el pánico entre la gente adinerada y a matar a todo pijo que se ponga a su alcance. Su próxima víctima es Patricia, la hija de un importante empresario, el cual hará lo que sea por recuperarla. Mientras, la banda sigue haciendo de las suyas, y la chica se enamora de Ramón.
Ópera prima de Álex de la Iglesia y film de culto que le auguraba a su director un exitoso futuro en el cine. Fue un punto de inflexión dentro del cine español, tan acostumbrado a las dichosas películas de la guerra civil. Después vendrían El día de la bestiaPerdita Durango o La comunidad, filmes de De la Iglesia, en donde se mezcla thriller, acción y unos ácidos toques de humor negro.
En Acción mutante, destaca especialmente el reparto, con rostros de actores tan conocidos como Antonio Resines, Karra Elejalde, Álex Angulo o Saturnino García.
"Deslumbrante ópera prima, con alucinantes movimientos de cámara y metraje idóneo, de concepción casi disneyana, algo inacostumbrado en una obra primeriza, tan proclive a la desmesura". Daniel Monzón: Fotograma
"Lejos del director la tentación del buen gusto. De la Iglesia acierta a convertir un simpático ejercicio de estilo en un pim-pam-pum en el que cristiano que asoma la cabeza, cristiano que es decapitado" Luis Martínez: Diario El País
GHOST IN THE SHELL
(Kokaku Kidotai. Japón 1995. 83 mins.)
Director: Mamoru Oshil
Animación. Guión: Kazunori Itô (Manga: Masamune Shirow). Fotografía: Hisao Shirai Música: Kenji Kawai.
En un mundo futuro, las máquinas y los hombres conviven entre sí, sin apenas diferencia entre unos y otros. A los humanos se les inserta unos chips en el cerebro que les convierte en seres evolucionados, mitad hombre, mitad ordenador, conocidos como 'espíritu'. Makoto Kusanagi es uno de ellos y tiene la misión de ir a la caza de un pirata informático. Por el camino no estará exento de peligros.
Cinta de animación japonesa que reunió a numerosos seguidores del manga, cuya trama tiene lugar en un mundo futuro de ciencia-ficción. Los dibujos están hechos con detalle y no faltan buenas dosis de acción.

Año 2029. En una enorme ciudad asiática, una mujer robot policía -cyborg- investiga las siniestras actividades de un misteriososo hacker, un supercriminal que está invadiendo las autopistas de la información. 
La versión en cine de 1995 del manga Ghost in the Shell, de Mashamune Shirow, es una película de dibujos animados realizada con la técnica japonesa conocida como ánime, que tiene características únicas dentro del género y es una muy difundida forma de entretenimiento en ese país. Ha sido influencia de animadores en otras culturas y aborda toda clase de temas como el amor, la ciencia ficción, la muerte, la espiritualidad, las aventuras, el horror, comedias. Puede ir dirigida a cualquier clase de públicos sin distingo de edades ni sexo. Incluso hay cine XXX en el ánime y se celebran festivales y congresos de fans de manga y ánime en todo el mundo.
El argumento en Ghost in the Shell, de 1995, está ubicado en unos 30 años en el futuro y se desarrolla dentro del subgénero cyberpunk derivado de la ciencia ficción. El mundo ha entrado en cierta decadencia, hay cambios en la sociedad, la cultura y la política. Los contenidos mezclan procesos científicos avanzados con la tecnología e informática futuristas. (Lucero Solórzano. Excelsior)
NAUSICAA EN EL VALLE DEL VIENTO
(Kaze no Tani no Naushika. Japón 1984. 116 mins.)
Director: Hayao Miyazaki
Animación. Guión: Hayao Miyazaki (Manga). Música: Joe Hisaishi.
En un futuro lejano, mil años después de una guerra de carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva, tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa Kushana, invade El Valle del Viento.  (FILMAFFINITY)

En un mundo futuro, los hombres no han sabido utilizar ecológicamente los recursos y la Tierra se ha convertido en un gran vertedero tóxico, con plantas venenosas, animales extraños y una atmósfera irrespirable en algunas zonas. Solo pequeñas tribus de personas sobreviven como pueden, en una especie de nueva Edad Media, manteniendo conflictos unas con otras; la princesa Nausicaä, una joven que vive en el reino conocido como Valle del Viento, comulga de un modo especial con la naturaleza, y sufre ante el actual estado de las cosas. Ella quiere la paz entre los hombres e indagará en las causas que han llevado a la humanidad a esta situación de suciedad y polución, para intentar reparar el daño.
Una de las primeras películas del maestro nipón Hayao Miyazaki (Porco RossoLa princesa Mononoke), que adaptó su propio manga. Ya contaba con unos dibujos preciosos y una potente moraleja de fondo en su trama épica. En este caso, ofrece una vibrante aventura -aunque en algunos momentos algo críptica, interesará más a unas sensibilidades que a otras-, a la vez que lanza un grito contra la contaminación y advierte del valor de cuidar la naturaleza, los animales y las plantas en este mundo en el que vivimos.
Los dibujos llenos de acción, ingenio, frescura, imaginación y buenos valores encantarán a niños y a grandes.
LA MOMIA AZTECA CONTRA EL ROBOT HUMANO
(México 1958. 65 mins.)
Director: Rafael Portillo
Con: Ramón Gay, Rosita Arenas, Crox Alvarado, Luis Aceves Castañeda, Jorge Mondragón, Arturo Martínez, Emma Roldán, Julián de Meriche, Salvador Lozano, Jaime González Quiñones, Ángel Di Stefani, Adolfo Rojas, Jesús Murcielago Velázquez, Enrique Yáñez.
Guión: Guillermo Calderón, Alfredo Salazar. Fotografía: Enrique Wallace. Música: Antonio Díaz Conde.

Un científico loco construye un robot para robar un inconmensurable tesoro azteca de una tumba que por cientos de años ha sido custodiada por una momia de aspecto bastante desagradable.
VOLVER AL FUTURO
(Back to the Future. E.U. 1985. 116 mins.)
Director: Robert Zemeckis
Con: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Claudia Wells,Thomas F. Wilson, James Tolkan, Billy Zane, Sachi Parker.
Guión: Bob Gale, Robert Zemeckis. Fotografía: Dean Cundey. Música: Alan Silvestri.
El adolescente Marty McFly es amigo de Doc, un científico al que todos toman por loco. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo, un error fortuito hace que Marty llegue a 1955, año en el que sus futuros padres aún no se habían conocido. Después de impedir su primer encuentro, deberá conseguir que se conozcan y se casen; de lo contrario, su existencia no sería posible. (FILMAFFINITY)
Las aventuras de Marty McFly a través del tiempo son casi un clásico. Robert Zemeckis reinventó las travesías temporales que ya ideara H.G. Wells en su célebre novela "La máquina del tiempo", varias veces llevada al cine. Zemeckis Forrest GumpLo que la verdad esconde) logra un fabuloso cóctel de acción y comedia, gracias a un guión milimétrico y a unas interpretaciones meritorias de los dos actores principales: Michael J. Fox, que da vida a Marty, y Christopher Lloyd, que encarna a Doc, el loco científico amigo del protagonista.
En esta primera entrega, Marty viaja a la época del Rock'n Roll para conseguir el encuentro con sus futuros padres. Inolvidable el punteo en el baile de fin de curso.
BLADE RUNNER
(Blade Runner. E.U. 1982. 112 mins.)
Director: Ridley Scott
Con:  Harrison FordRutger HauerSean YoungEdward James OlmosJoanna CassidyDaryl HannahM. Emmet WalshBrion JamesWilliam SandersonJoe TurkelJames HongMorgan Paull.
Guión:  David Webb PeoplesHampton Fancher. Argumento de Phillip K. Dick sobre la novela "Do Androids Dream of Electric Sheep?". Fotografía: Jordan Cronenweth. Música: Vangelis.
Los Angeles, año 2019. Rick Deckard (Harrison Ford) es un blade runner, un cazador de replicantes rebeldes. Los replicantes son robots construidos a semejanza de los humanos, más perfectos que éstos, pero sin sentimientos y, por tanto, sin recuerdos. Sus inventores no contaron con que, en su evolución genética, podrían adquirir los mismos sentimientos que los humanos. De manera que la pregunta que Deckard debe plantearse, a la vez que trata de aniquilarlos, es: ¿se han convertido los replicantes en unos seres más humanos que los propios humanos?
Ridley Scott debe su magnífica reputación a esta película y a Alien, el octavo pasajero(1979), otra producción mítica de la ciencia ficción. En esta ocasión mezcla de manera particular y magistral el cine negro con el de ciencia ficción, a partir de una novela de Philip K. Dick. Construye una película muy interesante, creando una atmósfera inigualable y envolvente, que muchas películas posteriores del mismo género han tomado como referencia. Harrison Ford completa un papel sobresaliente, contagiando sus dudas y la identidad que va adquiriendo con los replicantes a los que debe cazar. La atractiva y coherente estética es fascinante. Algunos aspectos de la película, como la ligazón del ser humano a sus recuerdos, han trascendido el mundo del cine, y son estudiados por filósofos y antropólogos. Pero el film ofrece otros muchos puntos de reflexión -globalización, ética de la biotecnología, el enigma de la muerte- casi inagotables. Una obra maestra.

La versión final
Además de las lógicas mejoras técnicas, con una gran remasterización de sonido e imagen, algunos de los cambios de la versión ahora editada por primera vez son: la inclusión de nuevas imágenes de Joanna Cassidy y de algunos planos del bar de Taff, una nueva iluminación en la escena final de Rutger Hauer y Harrison Ford; más metraje acerca del unicornio; y la eliminación de cables y el añadido de más naves.

Historia de una película o la edición más larga jamás contada
Pocas películas han sido modificadas tantas veces como Blade Runner desde que se estrenara en 1982. Hasta ahora existían cuatro versiones: la copia del trabajo de antes del lanzamiento; la que se estrenó en 1982 en Estados Unidos, con cortes de las escenas más violentas; la llamada "versión internacional", también en 1982, con mayor profusión de sangre y algo más de metraje; y la que se comercializó en 1992 como "El montaje del director". Sin embargo, cuando se cumple el 25 aniversario, se entrega la "versión final", de la que Scott dice: "El montaje es el producto de siete años de trabajo y el producto de una visión que me ha perseguido durante mucho tiempo. El montaje que se estrenó en 1992 no era realmente mío. En aquella época yo estaba en la postproducción de Thelma y Louise y simplemente pasé instrucciones al estudio, que deseaba pasar un Director's Cut, con cortad el final, prescindid de la voz en off y un par de cosas más. Por tanto, y aunque en cine es difícil decir cuando una película está acabada, puedo decir que por lo que a mí respecta, esta edición es la definitiva"
EL HOMBRE ILUSTRADO
(The Ilustrated Mann. E.U. 1969. 103 mins.)
Director: Jack Smight
Con:  Rod SteigerClaire BloomRobert DrivasDon DubbinsJason EversTim WeldonChristine Matchett.
Guión: Howard B. Kreitsek sobre la novela de Ray Bradbury. Fotografía: Philip H. Lathrop.
 El largometraje está ambiento en el momento de la crisis del año 1929, teniendo como foco central de la historia los altercados ocurridos en territorio estadounidense con motivo de la desesperación de la sociedad al comprobar que no eran capaces ni siquiera de asegurar el mantenimiento de su hogar y la manutención de su familia. También se muestra el desplazamiento de un sector de la población al estado californiano con la finalidad de conseguir un empleo acorde a sus posibilidades, pero sobre todo que les permita seguir adelante y superar estos comprometidos momentos.
Uno de los personajes principales del argumento empieza a mantener una buena relación de amistad junto con otra persona que tiene su organismo totalmente tatuado, algo que en un principio sorprende al protagonista pero tampoco le resulta demasiado extraño. Sin embargo, este hombre pretende localizar el paradero de la señora que se los implantó en el cuerpo y vengarse de ella porque en realidad dichas marcas son una especie de condena que tortura a su portador. Cada uno de los símbolos implica una aventura impactante y despiadada. ¿Podrán ambos unir sus fuerzas para encontrar a la hechicera y poner fin a su maléfico embrujo?
LOS NIÑOS DEL HOMBRE
(Children of Men. Reino Unido. 2006. 105 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con:  Clive OwenJulianne MooreMichael CaineChiwetel EjioforCharlie HunnamClaire-Hope AshiteyPam FerrisDanny HustonPeter Mullan.
Guión: Alfonso Cuarón,  Timothy J. SextonDavid ArataMark FergusHawk Ostby. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Música: John Tavener.
El director mexicano Alfonso Cuarón aceptó adaptar libremente la novela de P.D. James Hijos de los hombres, atraído por su premisa: un futuro próximo, el año 2027, con una humanidad en peligro de extinción, por la infertilidad de las mujeres. Con tan sugestiva idea traza una parábola de un porvenir nada halagüeño, que presenta inquietantes similitudes con el panorama actual, de flujos migratorios y cierres de fronteras, manifestaciones de radicales y movimientos antisistema, con la deshumanización del hombre como quid de la cuestión.
El film arranca con un personaje gris y tristón, requerido por su ex esposa, activista de uno de esos grupos no gubernamentales que busca, de algún modo, un mundo mejor. A regañadientes se convertirá en escolta de una mujer que, de modo inesperado, ha quedado encinta. Y ese cometido no deseado le devolverá paulatinamente la esperanza perdida.
Justamente puede definirse a Cuarón como contador de cuentos: La princesitaGrandes esperanzasHarry Potter y el prisionero de Azkaban… Hasta el sobrevalorado relato iniciático Y tu mamá también encaja en el formato ‘cuento’. Hijos de los hombres es una historia sencilla con telón de fondo apocalíptico, de hombres cansados y sin referencias que les permitan seguir con ilusión el día a día. Las lágrimas silenciosas al inicio, por la muerte violenta del hombre más joven del planeta, es un perfecto resumen de la situación, de falta de amor y aprecio por la vida. A lo que sigue el vacío vital del protagonista, lacónico y eficaz Clive Owen, y esa mirada nostálgica al mundo hippy del personaje de Michael Caine, cultivador de marihuana que se lamenta por el mundo, aunque poco haga por transformarlo.
Puede tacharse el film en algún momento de reiterativo, por las numerosas escenas de persecución o de caos, pero el poderío visual del director y su operador habitual Emmanuel Lubezki es tal, que la elemental trama se sostiene. Especial mención merecen la escena en que la visión de una criatura conmueve a quienes instantes antes estaban combatiendo, aunque se trate de un sentimiento efímero; o la de la barca en la niebla.
EN EL GLOBO PLATEADO
(Na srebrnym globie. Polonia 1987.166 mins.)
Director: Andrzej Zulawski
Con: Andrzej SewerynJerzy TrelaGrazyna DylagWaldemar KownackiIwona BielskaJerzy GralekElzbieta KarkoszkaKrystyna Janda.
Guión: Andrzej Zulawski. Fotografía: Andrzej Jaroszewicz. Música: Andrzej Korzynski.
El film utiliza la ficción para acercarse más a la filosofía que a lo estrictamente científico y/o tecnológico. A fuerza de pura cinematografía, en escenarios naturales y sin mayores efectos especiales que algunos pocos filtrados, Zulawsky reflexiona aquí sobre lo humano a través de una prosa poética que da forma a un relato que abreva tanto en las preguntas como en el simbolismo de distintas tradiciones místicas y religiosas. 
El argumento gira en torno a una expedición de astronautas que, gracias a una grabación enviada a través del espacio, logran aterrizar en un planeta muy parecido a la Tierra. Antes la humanidad ya ha poblado otros planetas, alrededor de 30, por lo que la búsqueda de la civilización perfecta sigue siendo parte esencial de nuestra condición. En este nuevo planeta azulado, los astronautas crean una nueva civilización bajo los conceptos de amor, paz y prosperidad, intento que termina frustrado, pues sus hijos, las generaciones futuras, reinciden en los mismos errores que se cometían en la Tierra. Se declaran guerras, se derrocan tradiciones, se imponen religiones, se anhelan mesías, se crucifican a los mismos. En esta película se plasma la imposibilidad de crear un mundo nuevo; el ser humano nunca cambiará, como si dicha maldición residiera en sus propios genes.
Es sin duda una película extraordinaria que nos lleva hasta los estrados más altos de la negación, la duda y la experiencia filosófica, oscilando entre el nihilismo y la credibilidad. Repleta de alegorías, nos sujeta a un discurso meramente poético, Sobre el globo de plata es una de las películas de ciencia ficción que mejor retratan el advenimiento de las próximas eras espaciales. Obra que nos sigue cuestionando qué tanto hemos evolucionado los seres humanos para lograr hacerle frente a todas las adversidades. (https://culturacolectiva.com)
LA LLEGADA
(Arrival. E.U. 2016. 116 MINS.)
Director: Denis Villeneuve
Con:  Amy AdamsJeremy RennerForest WhitakerMichael StuhlbargNathaly ThibaultMark O'BrienTzi MaAbigail PniowskyPat Kiely.
Guión: Eric Heisserer. Fotografía: Bradford Young. Música: Jóhann Jóhannsson.
La doctora Louise Banks. La mayor experta en lenguas del planeta. Que conoce lo que es el dolor, perdió a una hija en edad universitaria, seguramente por un cáncer. A punto de comenzar a impartir una clase en la facultad donde trabaja, se entera, como el resto del mundo, del aterrizaje de 12 naves espaciales en otros tantos puntos diferentes del planeta. Una de ellas está en Montana, y Louise es requerida, junto a otros muchos expertos en distintos campos de la ciencia, como el matemático Ian, para tratar de comunicarse y entender cuáles son las intenciones de los visitantes extraterrestres. La situación es delicada, pues la población está asustada, se han producido disturbios y saqueos, reacciones violentas de todo tipo, más los planteamientos de distintos tipos de iluminados. Además, países como China y Rusia, se muestran más temerosos y podrían responder con un ataque militar preventivo.
El canadiense Denis Villeneuve (PrisionerosSicario) sigue dando muestras de su poderío narrativo y visual a través de las películas. Aquí adapta un relato corto de Ted Chiang, convertido en guión por Eric Heisserer, que en el mismo año ha visto convertido en película otro de sus libretos, Nunca apagues la luz, lo que por comparación permite ver cómo las cosas cambian cuando hay detrás un director con claro peso específico.
La película incide en la idea de la comunicación, hacerse entender, ponerse en el lugar del otro, no obrar precipitadamente, como fundamento para cualquier tipo de entendimiento, ya sea entre naciones, ya sea entre personas. Y la paradoja estriba en que una puede ser muy buena en conocimiento de teoría del lenguaje, y aplicar esto a la comunicación con otra civilización, y al mismo tiempo advertir que en el trato directo con personas no sabe expresarse exactamente como quisiera.
Suerte de Encuentros cercanos de tercer tipo con personalidad propia –resulta curioso advertir cómo otros cineastas importantes, con mayor o menor fortuna, han intentado abordar este tipo de historias, además de Steven Spielberg, están Stanley Kubrick (2001, una odisea del espacio), Robert Zemeckis  (Contact) y Christopher  Nolan  (Interstellar)–, la película estética y visualmente está muy bien resuelta, las escenas en que humanos y alienígenas se encuentran frente a frente son muy originales, así como el modo en que "hablan" entre ellos. La banda sonora de un Jóhann Jóhannssonen alza ayuda a crear la adecuada atmósfera que exige la historia.
El reparto está muy bien, con una sobresaliente Amy Adams, que sabe entregar una combinación perfecta de fortaleza y fragilidad, sabiduría y ternura, miedo y confianza, lo que ayuda a que la complicada resolución del film con sorpresa funcione y deja al espectador dando vueltas y revueltas a lo que ha visto.
SHIN GODZILLA
(Japón. 2016. 120 mins.)
Dirección;  Hideaki AnnoShinji Higuchi
Con: Hiroki HasegawaYutaka TakenouchiSatomi IshiharaRen OhsugiAkira EmotoKengo KoraMikako IchikawaJun KunimuraPierre TakiKyusaku ShimadaTakahiro MiuraKen Mitsuishi.
Guión: Hideaki Anno. Fotografía: Kosuke Yamada. Música: Shiro Sagisu.
Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre, resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo a la civilización. Un país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de repente el horror catastrófico de Godzilla. Desafiado por la muerte y la desesperación, Japón deberá encontrar la fuerza para superar estos desafíos.

La guardia costera investiga un yate abandonado en la bahía de Tokio. El navío se hunde como consecuencia de un incidente; no se saben muy bien las causas. Rando Yaguchi, Director Adjunto Secretario del Gobierno, da credibilidad a un vídeo viral que muestra a una extraña criatura vista cerca de la zona. Le toman a broma, pero…
Toho, estudio que creó a Godzilla con Japón bajo el terror del monstruo, de 1954, vuelve a producir una entrega de la saga, 12 años después de Godzilla: Final Wars, su último film de Godzilla. Supone la vigésimo novena cinta de la casa protagonizada por el monstruo, la trigésimo primera contando también los trabajos en Hollywood de Roland Emmerich y Gareth Edwards, lo que deja atrás a las 25 cintas oficiales de James Bond, que en todo caso serían 26 si se cuenta Nunca digas nunca jamásShin Godzilla supone un nuevo reinicio, pues comienza de cero.
Nacida como reflejo del terror nuclear durante la Guerra Fría, la criatura se politiza en esta ocasión más que nunca en manos de dos realizadores, Shinji Higuchi, especializado en monstruos, y Hideaki Anno, procedente de la animación. El conjunto satiriza a los mandatarios nipones, mostrados en su gran mayoría como chapuceros, preocupados por ascender, pero incapaces de hacer nada útil para parar la destrucción de su país, crítica que para los espectadores extranjeros será extensiva en mayor o menor medida a algún que otro país más.
Lo que ocurre es que la trama introduce todo el tiempo nuevos personajes, con letreros que indican su cargo, lo que desconcierta un poco e impide identificarse con nadie, salvo quizás con un joven político y una estadounidense de origen nipón, que tienen algo más de protagonismo. Acaban apareciendo demasiadas secuencias dialogadas, con actores exageradísimos, y pocas de destrucción de ciudades, que es lo que buscan los fans, por lo que éstos pueden sentirse algo decepcionados.
También se desprende de Shin Godzilla un envidiable alegato patriótico, a favor de que Japón solucione sus propios problemas, a través del trabajo en equipo de sus ciudadanos, pues se viene a concluir que si se confía demasiado en la comunidad internacional, con Estados Unidos al frente, ésta mirará más por el interés global, aunque se perjudique al país asiático. El varapalo a la poderosa Norteamérica también se puede interpretar como un ajuste de cuentas a las dos producciones de la meca del cine protagonizadas por Godzilla, que no gustaron mucho en Asia, sobre todo –con razón– la primera.
ELLA (HER)
(Her. E.U. 2013. 120 mins.)
Director: Spike Jonze
Con:  Joaquin PhoenixAmy AdamsOlivia WildeRooney MaraSam JaegerPortia DoubledayChris PrattLuka JonesLaura Kai ChenMatt LetscherDavid Azar.
Guión: Spike Jonze. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Música: Owen Pallet.
 En un futuro cercano, Theodore, un escritor solitario con un divorcio traumático a cuestas, adquiere un nuevo sistema operativo para su teléfono y ordenador. Su nombre es “Samantha” y está basado en un avanzado modelo de Inteligencia Artificial diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. “Samantha” (o mejor dicho, su voz) es sexy, divertida, compasiva, sabe escuchar, da buenos consejos… y para sorpresa de Theodore, ambos no tardan en enamorarse el uno del otro. Pero, ¿qué ocurre cuando una persona se enamora de otra que en realidad nunca ha existido?

A Spike Jonze, realizador procedente del videoclip, se le conoce sobradamente por sus películas con fuertes componentes surrealistas, sobre todo ,Cómo ser John Malkovich y Adaptation. El ladrón de orquídeas. Ocupado en diversos cortos y un documental, se ha hecho esperar más de cuatro años desde Donde viven los monstruos para estrenar Her, su siguiente largometraje de ficción, segundo en el que ejerce como guionista tras el anterior.
Her se desarrolla en un futuro muy cercano que se distingue por sus avances informáticos. Tiene como protagonista a Theodore Twonbly, un tipo que se gana la vida escribiendo cartas supuestamente manuscritas para que otras personas las envíen a sus seres queridos. Mientras trata de superar un traumático divorcio, prueba un avanzado sistema operativo de ordenador, capaz de entablar conversaciones, que se presenta como Samantha. A pesar de su carácter artificial, tras la femenina voz sensual de Samantha parece esconderse una persona sensible y cercana, por lo que nace una amistad que poco a poco se va transformando en amor...
Her se puede interpretar como una crítica a la moderna deshumanización en la sociedad actual, en la que no se establecen relaciones afectivas con máquinas, pero los ciudadanos pasan mucho tiempo utilizando las redes sociales, y otras formas de interacción con los demás a través del ordenador. Elementos del film como las falsas misivas a mano resultan lo suficientemente expresivas del poco tiempo que muchos dedican hoy en día a atender a los más próximos, y del hecho de que en muchas ocasiones internet ha reemplazado al necesario contacto humano.
Es posible que ofrezca una visión reduccionista del amor, pues llama la atención que los protagonistas ni se planteen que su particular relación jamás les ofrecerá la posibilidad de descendencia. Pero Her acierta al mostar la omnipresencia del sexo en la sociedad, y el absurdo de las modernas relaciones carnales vía chat.
Rodada con la frescura habitual del cine de Jonze, Her cuenta con una ambientación creíble y cercana, a pesar de algunos elementos fantásticos. El mayor logro del realizador consiste posiblemente en darle verosimilitud, un tono romántico y una entidad dramática rota por acertados golpes de humor a una historia estrambótica que en otras manos podría haber caído en el ridículo.
Sobresale el apartado actoral, por la excelente interpretación de Joaquin Phoenix, en un personaje lleno de matices, bien secundado, sobre todo por las actrices Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, y en la versión original Scarlett Johansson que se ha trabajado la cálida dicción de Samantha. También realizan buenos doblajes Kristen Wiig (voz de un chat sexual) y el propio director como un niño alienígena de videojuego, malhablado, pero que tiene cierta gracia.

Her ha obtenido con toda justicia el Globo de Oro al mejor libreto y cuatro candidaturas a los Oscar 2014, en los apartados de película, guión original, banda sonora y canción original.